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Sophie Sainrapt : des talents multiples -
peintre, dessinatrice et graveuse -, une artiste accomplie dont le thème de
travail est clairement établi : le corps.
Le corps apparu ou le corps disparu.
Sophie évoque le corps du point de vue du deuil (ci-dessus
une oeuvre de la série Les têtes), ou
de l'émotion, ou de l’amour.
L’amour maternel (série des anges, inspirée par la contemplation de
sa fille en
plein sommeil), la tendresse et l’empathie (consolation d’Adam dans le
splendide
Adam et Eve - image externe).
Le sexe est l'un des versants de son travail parmi
d'autres. Mentionnons l’illustration d’un recueil de poèmes de
Verlaine (« Femmes » et « Hombres »).
Il s’agit de gravures pornographiques – ne lésinons pas sur les mots, c’est bien
de cela qu’il s’agit. « J’ai réalisé ces gravures-ci chez Pasnic. Là-bas,
Pascal et Nicolas travaillent de façon assez originale la gravure » 1.
Sophie a étudié pendant trois ou quatre ans la
gravure « traditionnelle » et a passé des années d’apprentissage dans les
ateliers de peintres parfois célèbres – dont Hashpa.
Mais pourquoi illustrer Verlaine ? Sophie a aimé le double texte du poète (« Femmes »
est consacré à un Verlaine hétérosexuel, « Hombres » est dédié à son
homosexualité) précisément pour cet aspect double.
Disons-le car c'est important : Sophie est très influencée par l’image de Janus (qu’elle a mis en scène
dans certains de ses travaux).
- Le double m’intéresse, dans la
sexualité, dans le comportement.
- Dans la sexualité ?
- C’est l’androgyne, la
bisexualité.
- Dans le comportement ?
- Tout le monde a deux faces. Ce
thème est ancien. Il est présent dans l’art africain
et les mythes les plus forts de l'Antiquité.
La violence, la brutalité expressive du trait s'oppose en effet très
radicalement à la douceur que présentent d'autres travaux.
Manifestement, Sophie a connu des épreuves. Elle cite une phrase de Nietzsche :
« Tout ce qui ne nous anéantit pas nous renforce ».
On ne ressent pas a priori un caractère double chez Sophie. Pas d'atermoiements
mais plutôt des réponses directes et immédiates.
On a l'impression qu'elle est capable d'exprimer
la douceur comme douceur et la douleur comme douleur, sans obligation de
rechercher des mi-teintes, bien qu'elle ne s'en prive pas dans certains
tableaux, plus rares, qui ont une dimension a priori plus intermédiaire,
médiane, médiante.
Sophie Sainrapt : Je pense à
la mort tous les jours. Oui, tous les jours, mais peut-être que cela me donne
encore plus envie de lutter (...) quand tu as une conscience de la mort telle
que la mienne (un peu plus que la moyenne des gens qui n’ont pas perdu leurs
parents, leur conjoint, jeunes) tu te dis que continuer à vivre est une sorte
de combat. Ce n’est pas un combat douloureux. C’est un combat de vie. Tu sais
ce que vaut chaque instant.
Le double, le thème de l’érotisme… on pense à Maupassant. Maupassant et son Horla,
Maupassant et sa Maison Tellier. Maupassant qui,
comme Sophie, vécut une enfance paradisiaque. Dans une première
période, elle fut heureuse. « Oui, très heureuse, mais je ne m’en souvient
pas. Il y a eu un moment où la vie a dû être presque idyllique. J’en ai gardé ce
côté toujours vivant, presque juvénile, qui n’a jamais été abattu par
l’adversité. »
Maupassant s’est également intéressé de très près, à sa manière à la fois
franche, généreuse et réaliste, au thème de l’érotisme. Certes, il n’était
aucunement pornographe – quoique réputé sensuel.
Entre l'écrivain et la peintre, il existe un point
commun : tous deux sont des conteurs.
AR : Par rapport au nu classique où
l’on montre la beauté ou la laideur, tu sembles plutôt raconter une histoire.
- Oui, c’est narratif. C’est un peu les états
psychologiques, physiques, de la femme que je suis, forcément.
- Est-ce que tu te sers du modèle pour susciter
en toi une émotion ? Une émotion que tu lis comme une histoire. Comment ça
marche ?
- Le modèle avec lequel je travaille, avec
lequel j’ai des affinités (pas une intimité) ainsi que les autres modèles,
féminins ou masculins, c’est la projection dont j’ai besoin pour raconter
l’histoire de ce que je vis, mes sensations, mes états. Je peux parfois aussi
travailler sans modèle quand j’utilise des formats plus petits, des techniques
comme la gravure ou le monotype. J’ai besoin de revenir régulièrement au
modèle comme une sorte de médiation pour faire passer cela. Je ne suis pas la
seule.
- La mise en scène du nu, qu’est-ce que tu en
penses ? Très souvent, ton travail est tellement pris par l’action qu’il n’y a
pas de mise en scène au sens où il n’y a pas de décors notamment.
- Non, ça ne m’intéresse pas, ce
qu’il y a derrière. Ce qui m’intéresse, c’est vraiment l’émotion directe avec
la représentation du corps, son expression, ses passions, etc.
…limite, donc, de la comparaison avec Maupassant, qui mettait en scène les lieux
érotiques, mais pas les actes. Le corps, le corps
exclusivement intéresse Sophie. Pourquoi s’étonner ? Le corps, c’est la présence
physique.
Cette présence est indispensable dans l'effectuation même de son travail.
On sent en regardant certains aspects des travaux de Sophie qu'elle aime...
l’air frais, la fraîcheur (la médiation, dit-elle) apportée par le modèle, celle du papier découpé à la
main, celle qui est octroyé par une considérable « ventilation » des
techniques : encres en tous genres, chiffon, Stabilotone ®, acrylique, vinyle,
peinture glycérophtalique, fusain, impressions diverses, gravure, papiers
spéciaux, céramique, etc.
AR : Tu parles de la médiation du modèle,
pas de celle du support.
La toile, dis-tu, ne te plait que modérément. Pour beaucoup de peintres, c’est
d’abord une chose que l’on prépare, que l’on enduit, que l’on tend, que l’on
fait sienne. Le papier, par rapport à la toile, c’est déjà l’autre, sauf pour
quelques uns comme Tibari Kantour, qui fabriquent eux-mêmes leur papier.
Mais un autre qu’on choisit, et c’est un choix sensuel, en plus.
- J’ai un rapport plus sensuel avec
le papier qu’avec la toile. Cela dit, c’est moi qui tends mes toiles et qui les
prépare. Mais majoritairement, j’ai besoin quand même du papier, même sur la
toile [des papiers marouflés sur toile]. Et j’aime la toile brute, pas tellement
la toile préparée.
- Donc en fait, le papier, c’est déjà "un autre"
que tu peux toucher, effleurer.
- Voilà. Je ne travaille pas sur
n’importe quel papier. Au début, je cherchais, mais maintenant je sais que
j’aime certains papiers. J’aime aussi certains formats. Le raisin, le
demi-raisin, ce sont des formats qui me vont bien. Pour des formats plus grands,
je découpe moi-même.
- Tu dessines une histoire grâce à la médiation du
modèle, mais c’est toujours ton histoire finalement.
- Oui, d’ailleurs il s'agit le plus
souvent de femmes.
- Mais est-ce que c’est une histoire ou un
fantasme d’histoire ?
- Les deux, mon capitaine ! Les deux
parce qu’il y a une part de fantasme dans ce que tu vis et une part de réalité.
Je ne les distingue pas consciemment quand je peins. C’est l’avantage des
expressions artistiques : il y a une part contrôlée et une part incontrôlée.
- Est-ce que tu travailles en bonne partie après
le départ du modèle ?
- Quelquefois je retravaille des
dessins effectivement après leur départ, quelquefois je les laisse intacts.
- Avant l’arrivée du modèle, est-ce que tu
prépares quelque chose ?
- Je ne prépare pas, mais je pense à
ce que je vais avoir envie de travailler. Les Stabilotone ®,
ou quelque chose de plus dur, fusain, chiffon : j’y pense mais parfois cela évolue
pendant la séance. Parfois je pense ne faire que du trait et finalement je fais
quand même des lavis. Il y a une part d’imprévu.
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